O Beco do Paraíso / Paradise Alley, 1978

 

Os Encontros Cinematográficos do Fundão vão para a 13.ª edição. Com um bloco que celebra o centenário do cinema de animação em Portugal, e a estreia dos novos filmes de Nelson Fernandes e João Dias, um dos pontos altos é o lançamento do livro “Perseverança” (ed. The Stone and The Plot), de Serge Daney. Pretexto para uma homenagem há muito ambicionada ao incomparável e sempre incompreendido Sylvester Stallone, com a projeção ao ar livre de O Beco do paraíso. Acontecerão de 11 a 14 de agosto.

Perto demais do Paraíso e perto demais do Inferno

José Oliveira

Sylvester Stallone, autor? Mais uma vez, quando em 2019 o Festival de cinema de Cannes decidiu fazer um prestigioso RENDEZ VOUS AVEC/WITH... SYLVESTER STALLONE, muita gente, e muita boa gente, desconfiou. Mas logo de partida quem se portou muito bem foi o entrevistador, Didier Allouch, que até permitiu trazer à liça o Stallone pintor. A primeira das perguntas foi a mais certa, e abriu caminho para uma conversa justa, tomada pelo tom sincero e humanista que sempre foi o melhor que Sly, as suas personagens mais fortes e todo o cinema americano tiveram – um homem tem a altura e a dignidade da sua vida. Didier Allouch falou de resiliência, Sly confirmou que a resiliência está marcada na natureza do homem, falou das antigas civilizações destruídas e recompostas, e de como não se deve aceitar a derrota facilmente, como se deve ripostar sempre, regressar sempre, e que estes são os temas eternos, ligados à mitologia que mais para a frente na conversa ele iria dizer-se apreciador.

 

Alguém, ele e as suas personagens, que não se separam dos seres comuns, anónimos, e parecia estar a dirigir-se à plateia ao afirmar tal. E logo a seguir falou no grande tema de todos os seus filmes, que é o grande tema que importa saber lidar para se seguir em frente, na vida como nos filmes ou em qualquer arte: o falhanço. E foi desenvolvendo: «O falhanço apenas nos faz mais espertos. Muitas vezes o sucesso deixa-nos tontos. Pois pensamos que já não podemos aprender mais nada. O falhanço faz-nos mais espertos. Pois aprendemos e sabemos como navegar a seguir». Foi uma conversa que se tornou um filme igual ao primeiro Rocky ou ao primeiro Rambo, de uma sinceridade lancinante e magoada. Mais magoado consigo mesmo por em certas alturas da vida não ter sabido fazer as escolhas certas, sem culpar o resto do mundo. E ficamos a saber que na altura ninguém quis produzir Rocky, que depois de Sly o ter feito de forma bastante guerrilheira ninguém o quis distribuir, e que antes disso os produtores tentaram dezenas de outros actores – ou mesmo um Canguru… – a ter o próprio Sly como actor principal… e o mesmo se aplicou à saga Rambo e a outros projectos posteriores e pessoais.

 

Numa conversa entre Eduardo Lourenço e Alberto Manguel no Festival Literário da Madeira em 2015, versada sobre a actualidade do mito de Sísifo, o último elabora cuidadosa e lucidamente sobre o falhanço: «O artista, o escritor, Sísifo, chega a encontrar nessa debilidade [Manguel estava a discorrer sobre o escritor utilizar uma ferramenta débil como a linguagem para criar] da linguagem, nessa impossibilidade de criar a obra perfeita, a justificação do acto artístico. Porquê? Porque uma parte essencial de toda a criação artística é o fracasso. Uma obra perfeita não tem validez artística. As obras de Paulo Coelho são perfeitas. E o leitor não tem campo de acção nessa obra. É unidimensional, e quando fechamos o livro, se estamos condenados a ler Paulo Coelho, fechamo-lo para sempre. Pelo contrário, quando lemos Dante, Eça de Queirós, Cervantes, a obra continua a abrir-se, e continua a abrir-se pois ao fim e ao cabo não é perfeita. Há brechas, há momentos em que a obra volta a cair como a rocha de Sísifo. Chega a subir até a um certo ponto mas depois a rocha cai, e nesse momento o leitor pode ajudar Sísifo a subi-la uma vez mais, até que uma nova geração de leitores também a ajude a subir. Há ao mesmo tempo desespero e regozijo. Um dos meus autores preferidos, Robert Louis Stevenson, disse que a nossa missão na vida não é triunfar, mas continuar a fracassar, no melhor dos espíritos.» Mais tarde ainda explicou, ou tentou como pôde, tal como quem tenta explicar a singularidade de Sly, o porquê de considerar Júlio Verne um grande escritor. E disse, mais uma vez, algo fundamental: que há vários tipos de grandes escritores. Há o grande escritor Cervantes como há o grande escritor Júlio Verne.

 

Será tentador e fascinante aproximar Sylvester Stallone, e sobretudo Rocky Balboa, não apenas como a personificação do sonho americano, mas como um Sísifo, um pobre Sísifo humilde que jamais baixa os braços e jamais deixa de escutar o seu coração. Mas, tal como as personagens do grande cineasta sonhador Frank Capra, Sly e Rocky, os dois unos, são demasiado humildes para tais assunções, e isso está no âmago e na matéria visceral e terna de que são feitos. Mas como são sem dúvida Sísifo, não vale a pena elaborar de forma literal. Paradise Alley, vertido belissimamente para português como O Beco do Paraíso, realizado pelo próprio Sly dois anos depois de Rocky triunfar vindo da humilhação, é o filme que me traz por cá. História de irmãos, de sangue, de ligações directas e subterrâneas, dos anos 1940 de Nova Iorque e do submundo que lhe subjazia, é um filme de obscuridades indecifradas, de devaneios e de uma féerie artesanal e desengonçada, clownesca e perto de uma parada de freaks naifs, que mais uma vez tira todo o tapete a ideias pré-concebidas. Leos Carax, que nos fins dos anos setenta decidiu escrever duas ou três coisas para os Cahiers du Cinema, deixou-se enfeitiçar por tais ousadias e desabafou: «Paradise Alley é o pesadelo de um órfão (vejam novamente o extraordinário The Night of the Hunter, de Laughton, se quiserem entender o que é um filme-órfão: a identificação do espectador não pode ser mais profunda do que com a personagem do órfão, a criança sozinha no escuro). (...) A única forma de continuarem irmãos, é apostar na vitória juntos. Não para travarem uma guerra, mas, por exemplo, para terem um combate de luta-livre. E estamos na cena da luta final, onde Victor e Frankie the Thumper lutam intensamente, cada um pela sua família. Cada um dos dois corpos leva muitos golpes, alguns deles directamente no rosto. O problema de toda esse espectáculo, assim como no cinema, é que há manipulação, e nós sabemos disso. Stallone sente prazer – um prazer que é, primeiro, infantil – de filmar esse truque pelo que ele é. O seu filme é um grande filme; é cinema. E se as pessoas não foram ver, perderam uma boa oportunidade de amar o cinema.»

 

Um grande filme, teve a ousadia de dizer Carax no seio parisiense dos Cahiers, e, sabemo-lo agora, estava bem acompanhado, pois também o editor da altura, Serge Daney, amou bem o filme, como contou Paulo Branco quando há uns anos o exibiu no seu festival. Que Carax tenha ainda introduzido a condição original e primeira do cinema, a orfandade atrás e à frente do ecrã, e se tenha detido sobre a questão do falso na luta e no cinema, teletransporta ainda todo esse universo para lá da quarta parede da protecção da ficção, iludindo-a com toques de prestigiador. Um filme de irmãos diferentíssimos que no fim do conto ficam como iguais, passadas as tempestades e as transgressões que qualquer família, à imagem de uma micro-sociedade, pode ter. Os irmãos Carboni são três: temos o irmão intelectual, Lenny, que exerce a sua medicina peculiar numa morgue, aleijado de uma perna por causa da guerra e perfeitamente Chaplinesco (Armand Assante, contidíssimo, deprimidíssimo até quando rouba a mulher a um irmão); temos o irmão dos músculos, Victor, o mais novo, entre a indústria do gelo e a indústria dos punhos, joguete nas mãos dos outros dois e do mundo, demasiado inocente em terra de espertos (Lee Canalito, quase actor mudo, quase saído da família de secundários do verdadeiro Chaplin); e Cosmo, que sem parecer é o mais velho, esse ainda mais Chaplinesco pois sem necessidade de ser macaco de imitação, chico-esperto por natureza ou por sobrevivência, constantemente entre o desenrascanço e a esquina derradeira, como no magnífico prólogo da dança de morte pelos telhados de NI (Sly, a contrariar todas as dádivas de Rocky em derrisão prodigiosa, personagem pícara à época impensável).

 

Num arco narrativo tão clássico como tocado pelas ilusões e pelas aleatórias transferências surrealistas (o macaco conquistado num concurso tem uma importância narrativa obviamente metafórica), vão-se sucedendo pactos inquebráveis e omissões carnais, ganâncias ancestrais, manipulações indesculpáveis e sublimes redenções para lá do aceitável, como só aos verdadeiros irmãos são permitidas. À corrupção do corpo e do espírito nos momentos-limite, toda a memória, como toda a infância, vai despontando na consciência até à límpida imagem final. Pelo sangue se perde, pelo sangue se ama. E O Beco do Paraíso não deixa de ser, ou é-o de corpo inteiro, um filme sobre o falhanço. Não um falhanço pelo falhanço, não esse romantizar do falhanço que tanto mal fez a muita gente e a muitas obras. Não um beco sem saída. Mas esse falhanço regenerador que comporta sempre em si a possibilidade de nascença de uma outra coisa. Um devir fértil. Um Sísifo consolado. Beco que é um cosmos em si com a possibilidade de um paraíso algures. Socorrendo-me ainda de Manguel ou de Stevenson, temos falhanços nas personagens, na sua sociedade e no mundo que escolheram, como o filme em si é em parte falhado, isto é, permeado por todos os lados com riquezas e emoções sem freios, carregado de leituras intermináveis e de artérias cruzadas. Um amigo meu chegou a dizer-me que O Beco do Paraíso é uma ópera (ou opereta?) e que nas suas personagens podemos achar tenores, barítonos, baixos, etc. E mesmo sopranos e contraltos perfeitos, arriscaria eu, pois a mulher é igualmente essencial na narrativa, na perdição, nos eternos-retornos e nos paraísos em causa.

 

Que hoje em dia O Beco do Paraíso esteja a ser redescoberto por uma nova onda de admiradores, de cinéfilos e de olhares e corações sem condicionantes estúpidas, é sinal de uma intemporalidade reconfortante – incontáveis outros jamais consideraram Sly por causa do seu acidente de nascença que nunca lhe permitiu a chamada dicção perfeita ou registos dramáticos carregados, muitos mais nunca lhe perdoaram o seu passado na pornografia e a figura do Italian Stallion que tudo confundiu entre o conto de fadas de Rocky e o abjecto, outros tantos não querem crer na possibilidade de alguém que escrevera um filme que ganhou o óscar principal ter sido arrumador de carros apenas um ano antes, e esses chamaram-lhe mentiroso e produto fabricado. Por muitos lados penou Sly e muita coisa diversa viu e experimentou, e todos esses calos, feridas e marcas psicológicas estão impressos tanto em si como, fatalmente, nas suas imagens e sons, na montagem, no ritmo do seu andar e no ritmo fílmico. Talvez por isso advenha amiúde, e indispensavelmente, um humor acanhado mas convicto de si mesmo, um aligeirar e um rir dos tantos obstáculos no caminho. Sly costuma dizer piadas ao invés de chorar frontalmente, talvez chorando para dentro, de fininho. Como nos seus filmes que importam – resumindo: Rocky, Paradise Alley, Rocky II, First Blood, Over the Top, Lock Up, Copland, Rocky Balboa, John Rambo, Creed, Creed II, Rambo: Last Blood, descontando esquecimentos – estamos perante um acto de justiça em desenvolvimento, em explanação, secreto, só possível mediante tamanha resiliência, honestidade, humanismo, teimosia, persistência.

 

Realizado, escrito, interpretado, cantado (Sly como Robert Mitchum em Thunder Road) e levado para a frente em todos os sentidos por este extraordinário homem que continua de pé e cheio de dignidade nos seus 77 anos, O Beco do Paraíso é tanto um prodigioso comentário de época de forma indirecta – na era do Vietname e das guerras frias o mundo é um manicómio – como uma realização por vezes absolutamente popular, por vezes perto do avant-garde – o achado de unir Sly ao mestre da cinematografia László Kovács foi responsável por essas cenas de irmãos junto ao cais, num pasmoso blocking que privilegia o artifício da representação e da movimentação para a câmara ao jeito de Ingmar Bergman e longe de Hawks, no momento grave em que percebemos as decisões do tudo ou nada. Riquíssimo todo, um cosmos falho e de interpretações ilimitadas. Quantas mais visões do filme, mais leituras, muitas das vezes contraditórias, claro. E talvez todo este barroquismo e espalhafato sejam apenas manobras de despista da solidão e da orfandade. No entanto, tudo se pode resumir à frase de despedida de outra personagem comovente, o Big Glory – que nome… – de Frank McRae, e assim fechamos, na língua original: «Remember, nobody in this world's gotta do nothing if they don't have a mind to.»

 

 [Junho de 2023]

Publicado originalmente no catálogo dos Encontros Cinematográficos do Fundão 2023

Encontros Cinematográficos do Fundão 2023, para Tom luddy, o amigo americano.

 

Antes de mais, em nota pessoal, apresentei filmes meus em edições anteriores, o que me permite admirar o trabalho dos muitos mais envolvidos ao longo dos anos. Esse trabalho admirável e hercúleo, sonhador, as mais das vezes gratuito, levado a cabo longe dos grandes centros. Uma constante aprendizagem pessoal.

Tom Luddy deixou esta terra em fevereiro do presente ano. Figura imensa do cinema, em várias latitudes, é mais um desaparecimento que deixa um vazio insubstituível. Um vazio triste.  Porque representa outras épocas, outros tempos, outros sonhos, outra visão grandiosa e generosa que já não se coaduna com o lado mercantil e carreirista que hoje tanto ambiciona quem faz filmes, como quem os permite ver. Uma outra época de que ainda apanhamos fiapos, enredando-nos neles, estupefactos. Luddy foi, tal como Werner Herzog considerou Lotte Eisner, um dos últimos mamutes à face da terra. À semelhança de João Bénard da Costa, Henri Langlois, Amos Vogel, Peter von Bagh, Eisner, não deixa herdeiros directos, sendo, no entanto, possível aprender tudo com eles. São figuras do cariz de Chaplin ou Eisenstein, sendo que alguns deles confluíram, afetando mutuamente o trabalho e a vida.

No entanto, Tom Luddy, à semelhança de von Bagh, não se ficou por cuidar e mostrar criteriosamente o cinema que importa. A sua vida foi uma imensa aventura. Acolheu Jean-Luc Godard (e Gorin) nos Estados Unidos e rasgou meticulosamente uma via para fazer entrar em eixos funambulescos um filme impossível, King Lear, metendo ao barulho Norman Mailer e a sua caneta, Woody Allen e o seu tagarelar ou, decisiva e miticamente, o lendário produtor Menahem Golan, que por esses anos tanto ajudava ao prestígio de Barbet Schroeder, como permitia filmes de acção de Stallone, Van Damme, a saga Ninja Americano ou a saga outra de quase sete horas de O Sapato de Cetim de Oliveira. Diz-se que pagou do seu próprio bolso uma parte do Mishima de Paul Schrader, noutra produção louca, encurtando continentes, egos e temperamentos. Além da sua relação duradoura com Francis Ford Coppola na American Zoetrope, que fez acontecer outras impossibilidades e aparentes anomalias, sonhos grandes demais não-concretizados mas tornados “outra coisa”. No Pacific Film Archive pelos furiosos anos setenta, no San Francisco International Film Festival ou de modo mais decisivo e revolucionário no Telluride Film Festival, foi tanto um exibidor de filmes, que de outro modo não passariam a fronteira americana e logo outras fronteiras, como permitiu meter em diálogo hemisférios, ideias, culturas, religiões e visões do mundo díspares. Godard com Mailer. Kurosawa com os movie brats Hollywoodianos ou com Les Blank ou Wim Wenders. Adam Driver a ver um filme ao lado de Herzog. Imenso e impossível resumo… Os sonhos de Werner Herzog e os sonhos de Telluride, em certos momentos, confundiram-se.

Está claro de ver, para Luddy o importante não eram os prémios. O máximo que parecia exigir (uma tradição informal, como se dizia por lá) era que os filmes a exibir em Telluride tivessem aí a sua estreia norte americana, mas mesmo isso nunca pareceu negociata mas antes acautelamento contra os tubarões. Nas montanhas do Colorado, este arquivista, programador, produtor, activista significativo pelo cinema e pelas causas sociais e políticas da sua época, manteve durante décadas uma utopia em movimento, e foram os grandes estúdios que num certo ponto fizeram gosto em lá estrear os seus filmes. Serve esta introdução perfeitamente redutora para falar dos Encontros Cinematográficos do Fundão que se aproximam.  Ao longo de uma década no vale do Fundão, rodeado pelas montanhas da Serra da Estrela e da Serra da Gardunha, dialogaram entre si, muito para lá dos limites da sala de cinema, mulheres e homens do mundo inteiro: Manuela Serra, Andrea Tonacci, Pedro Costa, Pierre Léon, Víctor Erice, Hiroatsu Suzuki, Miguel Marías, Mike Siegel, Billy Woodberry, Mercedes Álvarez, Pierre-Marie Goulet, Virgínia Dias, Adolfo Luxúria Canibal, entre muitos outros.

Sei que destas estadias, experiências e conversas (encontros), resultaram dois ou três milagres quantificáveis: Manuela Serra voltou a conciliar-se com o seu filme O Movimento das Coisas, a amá-lo e a querer mostrá-lo o melhor possível; Pierre-Marie Goulet permitiu rebatizar este acontecimento, que nos alvores se realizava na Guarda e antes ainda em Trancoso sob a égide  de Olhares sobre o mundo rural, para Encontros Cinematográficos, sendo o termo e a dádiva “Encontros” acolhidos da sua obra-prima absoluta Encontros, filme cósmico e secreto de 2006; Manuel Mozos prepara-se para rodar um documentário sobre o mítico Jornal do Fundão depois de muitos anos de ajuda na programação, depois de muitos filmes seus terem passado pelo Fundão; enfim, as Canções para Cimino, que Marta Ramos, João Palhares e João Parreira musicaram e cantaram a partir de letras escritas por Cimino no seu romance Big Jane. Nos Encontros Cinematográficos não existe competição, nem prémios, muito menos posturas ditatoriais, mas sim criação de afinidades, ou disparidades, de ligações para a vida ou recusas proveitosas. Pode-se amar um filme, um modo de fazer cinema, uma cultura, uma maneira de explanar as ideias, como se pode criticar, propor, destruir, sem a pressão e a necessidade de charme que poderá conduzir a um prémio ou a recortes de imprensa bombásticos e proveitosos para o próximo concurso de financiamento. Não existe promoção de nada, apenas emoções.

Por isso, uma pessoa que programa num ano poderá no outro mostrar uma obra sua (ou vice-versa) – um filme ou um livro ou uma pintura, pois o mundo do cinema é assim vasto – não existindo a cobardia ou a hipocrisia que desemboca no arrivismo, e que é a marca oficial de mais de noventa por cento dos festivais e mostras de cinema competitivos. Nos Encontros não se vai à caça da última novidade bombástica que conquistou o máximo prémio do festival de categoria A ou Z, mas existe uma pulsão de vida ou de morte para se dar a ver um filme que imerecidamente ninguém falou mas que salvou o ano de alguém. E tanto pode aterrar um filme injustiçado de Sylvester Stallone – e este ano será esse mesmo o caso, pois o ovni será O Beco do Paraíso – como uma primeira obra de alguém que não poderia deixar de se expressar pelo cinema, mesmo sem estudos, mesmo sem meios ou influências, sem cheta, coisa que também poderá acontecer.  Claro que existe critério, claro que existe o gosto e as ideias e as relações de cada programador, bem como possíveis contradições e birras, mas existe, em primeiro lugar, um amor incondicional por cada escolha, a defender com unhas e dentes e não como um produto indistinto. Finalmente, o cuidado com os textos de apresentação dos críticos, historiadores, realizadores, músicos ou demais, os cuidados com as entrevistas, com o objecto catálogo e com o seu conteúdo, levados ao extremo, num trabalho apurado de meses, que permitirá no futuro estabelecer um arquivo de memória.

Este ano, nuns Encontros que inauditamente se realizarão em agosto, de 11 a 14, teremos um bloco que celebra o centenário do cinema de animação em Portugal, contando com a presença de consagrados realizadores, como Abi Feijó, Regina Pessoa, Nelson Fernandes, Bruno Caetano ou João Gonzalez (este ainda a confirmar). Todos estes artífices estarão presentes, certamente com consequências. Ou seja, o filme de um grande artista da região, Nelson Fernandes, e o primeiro filme português a ser nomeado para os Óscares, na mesma sessão. Nelson Fernandes apresentará em estreia nacional a sua última criação, Motus, e João Dias, realizador do importante As Operações Saal e montador dos últimos filmes de Pedro Costa, segundo a nota de imprensa, terá «a aguardada estreia de Senhora da Serra (Cópia de Montagem), um filme que assume a paisagem da Serra da Gardunha como palco privilegiado do grande teatro da vida, partindo de uma releitura das narrativas do culto mariano no interior de Portugal e de lendas da Gardunha.» E ainda Terra que Marca, um labor único, raro, em comunhão com a terra e com as nossas ambições mais ancestrais, boas e más, que tem sido acolhido pelo mundo fora como a obra-prima que é, mas que em Portugal está a ser deixado para uns happy fews. Um jornalista do nosso maior jornal disse que sentia vergonha em avaliar um objecto tão pessoal e íntimo… Será não um acto de justiça, mas a revelação natural, incandescente, das suas características e ousadias sem par. Raul Domingues, um paciente trabalhador de imagens, sons e ritmos, conversará com quem quiser. Também importante, será apresentado o livro Perseverança (ed. The Stone and The Plot), de Serge Daney. Mote para a projeção de dois petardos absolutamente distintos que o célebre “cine-filho” muito admirava: Hiroshima, meu amor de Alain Resnais, sobre o qual escreveu, e o referido Beco do Paraíso, amor que ele só confessou a amigos.

Não de menosprezar são os convidados que acompanham os realizadores e também os filmes escolhidos por estes. Isaura Reis, David Caetano e Sérgio Dias Branco conversarão com João Dias, e Manuel Guerra apresentará e falará com Raul Domingues. João Dias escolheu o indescritível e sobrenatural filme de horror que é Benilde ou a Virgem Mãe, de Oliveira, e Raul Domingues o raríssimo e épico Uma Aldeia Japonesa, Furuyashikimura de Ogawa Shinsuke, com as suas três horas e meia de duração e paciência. Por último, e por isso primeiramente, uma Caminhada Poética com leitura de poemas e piquenique, organizada pelos Caminheiros da Gardunha e por Marta Ramos, a partir de uma ideia da última e inspirada pelo filme Terra que Marca. Estes serão alguns dos vetores num quadro mais amplo de eventos, que incluirá ainda música e, claro, muita informalidade. E talvez assim se possam colher novos testemunhos como os que aqui deixo sobre edições anteriores, por pessoas aparentemente díspares ou absolutamente parecidas.

 

Mike Siegel, realizador e historiador do cinema, Estugarda (Alemanha): «Estes dias no Fundão serão guardados como os mais felizes da minha vida. Muito obrigado pelo convite».

Miguel Marías, escritor e historiador do cinema, Madrid (Espanha): «Sou fã destes Encontros há vários anos, pela programação sempre cuidada e atenta, pela naturalidade, paixão e amabilidade de todas as pessoas».

João Alves Fernandes, operador fabril, Setúbal: «Há vários anos que me desloco ao Fundão para assistir a estes Encontros, porque aprecio a arte cinematográfica de qualquer género e aqui os filmes e os autores são bem tratados».

Jorge Almeida, cinéfilo, São Paulo (Brasil): «Além dos filmes geniais – muitos deles menos conhecidos – e dos convidados de excelência, destaco a simpatia das pessoas e três momentos inesquecíveis: uma rapariga descalça a descer a Avenida de Liberdade para assistir à projecção do filme “Paz”; o concerto de homenagem a Sam Peckinpah e o convívio no Moto Clube Os Trinca Cereja; todas as pessoas a cantar na inauguração da fantástica exposição colectiva “Templo de Amor em tempos de Guerra”. Estes Encontros são um Templo de Amor, uma casa aberta a todos. Parabéns!».

Lise Bardou, artista visual, Toulouse (França): «Sente-se a verdade, aqui o tempo não existe. Saúdo ver esta iniciativa engrandecida. Bravo e obrigado!»

Marta Mateus, realizadora, Lisboa: «Se o cinema estiver, esteve ou está numa encruzilhada, há os que se perdem. Aqui encontram-se os Homens e as Mulheres com o cinema. Obrigada.»

Luís Miguel Cintra, actor, Lisboa: «Caloroso ambiente mais humano que cinéfilo graças a Deus e sem preconceitos comerciais ou de mercado. Dias Felizes.»

Ana Luísa Guimarães, realizadora e professora, Lisboa: «Gostei muito do ambiente caloroso, próximo, com verdadeiros encontros entre as pessoas e entre estas e os filmes.»

Ivana Miloš, escritora e artista plástica, Croácia: «Nos Encontros uma pessoa sente-se mais perto da paisagem, das montanhas e gentes que nos rodeiam, e também do cinema.»

Loukia Batsi, poeta, Atenas (Grécia): «Foi no Fundão que descobri o que significa a palavra Encontro. Sinto que além dos filmes há uma comunhão de valores.»

in: https://tribunadocinema.com/encontros-cinematograficos-do-fundao-2023/